Au carrefour du body horror, de la satire féroce et du drame intime, The Substance s’impose comme l’un des objets de cinéma les plus commentés de ces dernières années. Derrière son concept de sérum miraculeux capable de créer une version « améliorée » de soi-même, le film déploie une distribution millimétrée où chaque acteur et chaque actrice contribuent à rendre crédible ce cauchemar brillant sur l’obsession de la jeunesse, du corps et de la célébrité. Le public de genre y trouve une relecture moderne des classiques du cinéma horrifique, tandis que les amateurs de drames psychologiques découvrent une galerie de personnages d’une cruauté presque documentaire. La réussite du casting repose autant sur les grands noms – Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid – que sur tout un réseau de seconds rôles qui densifient l’univers télévisuel et médiatique du film. Derrière la caméra, Coralie Fargeat orchestre ce ballet d’interprétation avec la précision d’une plasticienne, rappelant que le cinéma reste d’abord un art de corps, de regards et de visages.
En bref : la distribution de The Substance passée au microscope
- The Substance repose sur un trio central explosif : Demi Moore, Margaret Qualley et Dennis Quaid, réunis dans un dispositif quasi théâtral autour d’un même cauchemar corporel.
- La réalisatrice Coralie Fargeat, déjà remarquée avec « Revenge », sculpte ses acteurs comme des matières plastiques, jouant sur l’âge, la notoriété et le rapport au corps des interprètes.
- Le casting secondaire, composé d’animateurs, de producteurs télé, de médecins et de techniciens, construit un écosystème médiatique crédible qui renforce la charge satirique du film.
- Chaque rôle illustre une facette de l’obsession contemporaine pour la performance, les filtres et la version « optimisée » de soi-même.
- Les spectateurs qui suivent déjà d’autres grandes distributions – de Oppenheimer à Love Actually – trouveront ici un nouvel exemple de casting pensé comme un discours sur notre époque.
Distribution de The Substance : un trio central au cœur du cauchemar
Au centre de la distribution de The Substance, trois personnages dominent le récit et structurent la tension : Elisabeth Sparkle, Sue et Harvey. L’architecture du film tourne autour de ce triangle, chacun incarnant une force différente dans la fable macabre de Coralie Fargeat. Le récit débute avec Elisabeth, star quinquagénaire d’émissions d’aérobic télévisées, dont le corps est devenu un produit marketing plus qu’une réalité humaine. Cette vedette, brutalement licenciée le jour de ses cinquante ans, ouvre la porte à la fameuse « substance » censée lui rendre une version idéalisée d’elle-même.
Le processus de duplication donne naissance à Sue, double jeune, lisse et énergique d’Elisabeth. Ce partage de vie, de temps d’existence et de corps devient le moteur du récit : deux femmes pour un même capital de jours, condamnées à se surveiller, se jalouser et, progressivement, se détruire. Autour d’elles plane Harvey, directeur de chaîne et prédateur télévisuel, qui rappelle ces figures de producteurs tout-puissants déjà explorées dans les grandes fresques sur les médias, du cinéma américain des années 1970 jusqu’aux séries contemporaines. La dynamique entre ces trois pôles donne au casting un parfum de tragédie antique, déplacée dans un plateau d’émission de fitness.
Demi Moore en Elisabeth Sparkle : une star face à son reflet
Le choix de Demi Moore pour incarner Elisabeth Sparkle transforme la distribution en geste méta-cinématographique. Actrice emblématique des années 1990, autrefois symbole de glamour hollywoodien, elle a traversé les mutations d’un cinéma où l’âge des actrices se retrouve souvent scruté plus sévèrement que celui de leurs partenaires masculins. La voir incarner une présentatrice d’aérobic poussée vers la sortie à cause de son âge crée un jeu de miroirs avec sa propre carrière, comme l’avait fait Michael Keaton dans « Birdman » ou plus récemment certaines figures d’Emily in Paris autour de la représentation des femmes mûres.
Moore prête à Elisabeth un mélange troublant de fierté, de fragilité et de rage silencieuse. Son interprétation s’appuie sur chaque détail de langage corporel : la posture du corps d’ancienne sportive, la crispation du sourire télévisuel, la peur de la caméra qui se retourne contre elle. Le personnage devient plus qu’une victime : une femme qui a intériorisé les règles d’un marché du corps et tente jusqu’au bout de les respecter, quitte à prendre un risque inhumain avec la fameuse substance. Ce travail d’actrice confère au film une dimension tragique qui dépasse le simple plaisir du gore.
Margaret Qualley en Sue : la jeunesse comme arme à double tranchant
Margaret Qualley campe Sue, incarnation jeune et éclatante d’Elisabeth. La distribution joue ici sur la trajectoire de l’actrice, repérée dans les séries et le cinéma d’auteur, pour incarner une énergie juvénile presque agressive. Sue est d’abord présentée comme un fantasme : corps parfait, dynamisme inépuisable, sourire qui semble calibré pour les réseaux sociaux. Cependant, le scénario lui offre progressivement une profondeur inattendue, révélant une créature qui découvre son existence et négocie sa place dans le monde avec la férocité d’un prédateur naïf.
Qualley travaille la physicalité de Sue en contraste direct avec Elisabeth. Là où Moore incarne une raideur, conséquence d’années de contrôle, Qualley propose un corps plus souple, désinhibé, parfois brutal. La cohabitation forcée des deux personnages transforme l’appartement en scène de théâtre où deux époques, deux visions de la féminité et deux carrières possibles se disputent la lumière. Ce dispositif rappelle certains films jouant sur les doubles et les miroirs, mais la présence de Qualley actualise le thème : Sue renvoie autant aux influenceuses 2.0 qu’aux héroïnes de comédies romantiques, tout en devenant rapidement un monstre d’ambition.
Dennis Quaid en Harvey : le masque carnassier du patriarcat télévisuel
Dennis Quaid incarne Harvey, patron de chaîne télévisée et patron d’Elisabeth. Dans la distribution, ce choix crée un contrepoint masculin fort. L’acteur, souvent associé à des rôles plus sympathiques ou héroïques dans le cinéma américain, prête ici son charisme à un personnage profondément toxique, représentant de ces hommes de pouvoir qui façonnent des carrières féminines à leur convenance. Sa décision brutale de licencier Elisabeth au motif qu’elle a « trop vieilli » résume à elle seule l’idéologie que le film démonte minutieusement.
Quaid joue Harvey avec un mélange de bonhomie feinte et de menace larvée. Ce contraste renvoie aux figures de patrons et producteurs analysés dans d’autres œuvres centrées sur les acteurs et les actrices soumis à un système – on pense par exemple à certaines dynamiques de pouvoir déjà observées dans la distribution de Power. La présence de Quaid permet à Coralie Fargeat de ne jamais caricaturer totalement son antagoniste : c’est un homme ordinaire, pétri de privilèges, dont les décisions font pourtant basculer la vie d’Elisabeth dans l’horreur. Cette banalité du mal donne au film une dimension sociale très contemporaine.
Ce trio Demi Moore / Margaret Qualley / Dennis Quaid, pivot de la distribution, transforme The Substance en une sorte de laboratoire de jeu d’acteur, où le corps devient l’argument principal, mais aussi le champ de bataille.
Le regard de Coralie Fargeat : une réalisatrice qui sculpte ses acteurs
La réussite de la distribution de The Substance ne peut être dissociée de la personnalité de sa réalisatrice et scénariste, Coralie Fargeat. Venue du court métrage, elle s’était déjà illustrée avec « Revenge », revisitant le film de vengeance en lui injectant une énergie visuelle singulière. Avec ce nouveau film, elle confirme une obsession : le corps comme lieu de violence, de contrôle et de reprise de pouvoir. Pour Fargeat, diriger des acteurs et des actrices, c’est d’abord diriger des corps, des textures, des postures, presque comme une sculptrice en atelier.
Ce regard singulier se retrouve dès la première apparition d’Elisabeth Sparkle. La caméra isole des fragments du corps, comme un catalogue d’images publicitaires, avant de laisser apparaître le visage de Demi Moore. Le travail avec l’actrice repose sur cette fragmentation : visage, jambes, ventre, dos sont filmés comme autant de territoires surveillés. Fargeat multiplie les plans serrés sur la peau marquée par le temps, rappelant que l’obsession de la jeunesse ne se joue pas seulement dans les grandes décisions, mais dans chaque reflet de miroir, chaque pli.
Une direction d’acteurs héritée du body horror mais ancrée dans le réel
Certains critiques rapprochent le travail de Coralie Fargeat de celui de réalisateurs emblématiques du body horror, tout en soulignant sa singularité. Là où David Cronenberg, par exemple, explore souvent la fusion entre la chair et la technologie, Fargeat travaille la collision entre la chair et l’industrie du divertissement. C’est particulièrement visible dans sa manière de diriger Demi Moore et Margaret Qualley, pensées comme deux versions d’une même silhouette, deux réponses du cinéma à la question : « À quoi doit ressembler une femme à l’écran ? »
Fargeat instaure une méthode de jeu très physique avec ses actrices. De nombreuses scènes repoussent les limites du confort : maquillages lourds, prothèses, mouvements contraints, chorégraphies d’aérobic répétées. Cette exigence rappelle le travail d’autres distributions extrêmes, comme celles d’un film collectif centré sur la performance physique, où le corps devient l’outil principal de narration. Ici, les déformations et les blessures vues à l’écran ne sont pas seulement des effets horrifiques : elles prolongent le récit intérieur des personnages.
La collaboration avec la distribution secondaire : un écosystème maîtrisé
Autour du trio principal, Coralie Fargeat compose un réseau de visages qui donnent à The Substance une densité sociale : techniciens de plateau, médecins, assistants de production, figurants de cours d’aérobic. Même lorsque les noms ne sont pas aussi célèbres que ceux du trio central, la réalisatrice leur réserve une place soignée dans le cadre. Chaque apparition renforce l’idée d’un système où tout le monde participe, de près ou de loin, à l’obsession de la performance corporelle.
Les scènes de plateau télé, par exemple, profitent d’une direction d’acteurs chorale. Chacun a un geste, un regard, une micro-réaction qui raconte son rapport au corps d’Elisabeth et de Sue : assistants qui ajustent un micro en évitant de croiser un regard, médecins qui récitent un jargon pseudo-scientifique, public de studio qui applaudit mécaniquement. Cette précision rappelle la façon dont certaines grandes fresques de cinéma – de la distribution du Grand Bleu aux comédies chorales – utilisent le second plan pour enrichir le récit principal.
Un synopsis qui guide la mise en scène des comédiens
Le synopsis de The Substance agit comme un fil rouge pour comprendre le travail de Coralie Fargeat avec ses comédiens. Une animatrice télé de fitness, en fin de carrière, découvre un produit mystérieux qui promet de créer une version plus jeune, plus performante d’elle-même. Le protocole est simple et terrifiant : cette nouvelle version ne peut exister qu’en partageant le temps de vie de l’originale. Chaque jour, un nombre d’heures limité pour chacune, sous peine de conséquences atroces si l’équilibre est rompu.
Ce concept impose une direction d’acteurs très rigoureuse. Moore et Qualley jouent parfois des scènes comme si elles s’arrachaient littéralement des minutes d’existence, des instants de lumière. Le montage alterne leurs apparitions de façon presque mathématique, ce qui oblige les comédiennes à inscrire dans chaque plan un sentiment d’urgence. Fargeat orchestre ces échanges avec une précision de dramaturge, transformant un pitch de science-fiction horrifique en allégorie du partage de l’espace médiatique entre générations de actrices.
À travers cette méthode, Coralie Fargeat se distingue comme une réalisatrice qui pense sa distribution comme un ensemble vivant, où chaque corps et chaque visage contribue à la fable sur la jeunesse, le pouvoir et la destruction.
Les interviews et making-of prolongent ce travail de mise en scène, révélant la confiance installée entre la cinéaste et son équipe.
Personnages de The Substance : anatomie d’un cauchemar médiatique
Au-delà des noms célèbres, la force de The Substance tient à la construction de ses personnages. Chaque figure, du premier au second rôle, incarne une fonction précise dans le dispositif critique imaginé par Coralie Fargeat. Pour suivre le fil de ce cauchemar médiatique, une spectatrice fictive, Claire, fan de cinéma et de séries, pourrait par exemple se rendre compte qu’elle a déjà croisé ces archétypes ailleurs : dans les grandes distributions chorales comme celles d’Astérix au cinéma, dans les romances de Noël ou dans les drames sociaux. Ce sentiment de familiarité rend le film d’autant plus dérangeant.
Elisabeth Sparkle : de produit télévisuel à chair sacrifiée
Elisabeth n’est pas seulement une animatrice de fitness, elle est un symbole. Sa carrière repose sur l’illusion de la maîtrise corporelle : « sculpter son corps », « rester jeune », « être la meilleure version de soi-même ». Lorsque sa chaîne décide que, passée cinquante ans, elle n’est plus « bankable », le vernis craque. Le personnage entre alors dans une spirale faite de honte, de culpabilité et de désespoir. Chaque décision qu’elle prend à partir de ce moment se lit comme un commentaire sur les injonctions faites aux femmes dans les industries de l’image.
Son acceptation de la « substance » condense ce parcours. Le sérum devient une métaphore de toutes les pratiques extrêmes destinées à rester visibles : chirurgie, traitements expérimentaux, cures improbables. La transformation d’Elisabeth, orchestrée par l’interprétation sombre de Demi Moore, donne au film une dimension sacrificielle. Le corps, autrefois outil de performance télévisuelle, se transforme en victime d’un système qui ne tolère ni rides ni fragilités. Claire, notre spectatrice fictive, pourrait y voir un écho exagéré mais terriblement parlant de certaines biographies d’actrices réelles.
Sue : la version améliorée qui refuse d’être un simple produit
Sue, de son côté, commence par ressembler à un fantasme publicitaire sorti d’un casting de clips ou de comédies romantiques. Pourtant, très vite, le personnage échappe à cette fonction. Consciente d’être la « meilleure version » d’Elisabeth, elle refuse de n’exister que par intermittence. Chaque heure passée « dans la boîte » lui apparaît comme un vol d’existence. Cette frustration alimente un comportement de plus en plus agressif, jusqu’à la violence ouverte.
Margaret Qualley joue Sue comme une enfant surdouée lâchée dans un monde d’adultes cyniques. Elle sait manipuler la caméra, séduire Harvey, capter l’attention des techniciens. Sa relation avec Elisabeth ressemble à un conflit entre mère et fille, mais inversé : ici, c’est la « fille » qui revendique d’exister aux dépens de la « mère ». Ce renversement rappelle certains jeux de miroir déjà explorés dans des œuvres centrées sur les jeunes acteurs, comme ceux que l’on retrouve dans les distributions de séries pour jeunes adultes, mais poussé jusqu’au paroxysme horrifique.
Harvey : la voix du système, plus effrayant que les effets spéciaux
Au milieu de ces deux figures féminines, Harvey se présente comme la voix du système. Il ne croit pas réellement à la magie de la substance ; il croit à ce qu’elle peut lui rapporter en termes d’audience et de profit. Son obsession pour la nouveauté, la fraîcheur et la performance purement quantitative (taux d’audience, likes, courbes de popularité) structure son personnage. Dennis Quaid lui donne une désinvolture glaciale, ce qui rend ses décisions encore plus glaçantes : il ne hait pas Elisabeth, elle n’est simplement plus rentable.
Harvey ne se contente pas d’être un antagoniste. Son regard sur Sue, mélange de fascination et d’appropriation, dévoile le mécanisme par lequel les industries se jettent sur chaque nouvelle « sensation » sans se soucier de sa santé physique ou mentale. On retrouve là une critique proche de celle adressée à certains systèmes de starification analysés dans d’autres films sur les coulisses du show-business, ou même dans des œuvres à grand casting comme les fictions centrées sur de jeunes millionnaires.
Tableau récapitulatif des principaux rôles
| Personnage | Interprète | Fonction dans le récit |
|---|---|---|
| Elisabeth Sparkle | Demi Moore | Animatrice quinquagénaire, victime du culte de la jeunesse |
| Sue | Margaret Qualley | Version « améliorée » et plus jeune d’Elisabeth, en quête d’existence propre |
| Harvey | Dennis Quaid | Patron de chaîne, incarnation du pouvoir médiatique patriarcal |
Ce tableau ne fait qu’effleurer la richesse de la distribution de The Substance, mais il met en lumière la structure triangulaire qui porte le film et soutient son discours acerbe sur le corps et la célébrité.
Le casting secondaire : un miroir fragmenté de l’industrie du divertissement
Si le trio principal attire l’attention, le casting secondaire de The Substance mérite tout autant d’être considéré. Ces acteurs et actrices, parfois peu connus du grand public, construisent un environnement crédible où le cauchemar d’Elisabeth et de Sue se déploie. Leurs rôles, même brefs, fonctionnent comme des petites vignettes satiriques de l’écosystème télévisuel : médecins complaisants, assistants zélés, coachs rivalisant de slogans, figurants de cours collectifs, membres du public surchauffé.
Le spectateur attentif repère vite une logique commune : chaque apparition secondaire confirme l’idée que le corps féminin, dans cet univers, est un objet de travail collectif. On le maquille, on le filme, on le commente, on le mesure, on le compare. Ce principe rappelle la manière dont certaines grandes fresques du cinéma français utilisent leur distribution élargie – comme dans Le Grand Bain ou dans des comédies chorales – pour dresser un portrait de groupe, plutôt qu’un simple récit individuel.
Une liste de figures secondaires emblématiques
Parmi ces personnages, on peut distinguer plusieurs catégories récurrentes :
- Les professionnels de la santé « marketing » : médecins ou techniciens qui vendent la substance comme un produit miracle, avec un vocabulaire pseudo-scientifique rassurant.
- Les travailleurs des plateaux télé : cadreurs, régisseurs, stylistes, dont chaque geste participe à la fabrication de l’image parfaite.
- Le public en quête de spectacle : spectateurs présents sur le plateau, ou devant leur écran, qui réclament sans cesse du « nouveau ».
- Les concurrents et collègues d’Elisabeth : d’autres animateurs de programmes, qui reflètent différentes façons de survivre dans ce milieu.
Chacun de ces groupes est servi par des acteurs et des actrices précis, capables d’exprimer en quelques gestes ou quelques répliques le cœur de leur fonction dramatique. Cette efficacité rappelle certaines distributions très serrées, comme celles que l’on peut étudier dans des classiques du cinéma populaire.
Un jeu d’échos avec d’autres grandes distributions du cinéma
Pour un public qui aime comparer les casting d’œuvres différentes, ce réseau de seconds rôles évoque le fonctionnement d’autres grandes productions. Comme dans certains thrillers d’action portés par une star centrale, la présence de personnages secondaires typés donne au monde du film une densité réaliste. Les techniciens, assistants et figurants de The Substance sont dessinés avec une précision suffisante pour être mémorables, sans voler la vedette au trio principal.
Cette manière de peupler le décor évoque également la construction de mondes narratifs dans des sagas ou des univers partagés. Bien que The Substance ne soit pas une franchise, la richesse de ses seconds rôles permettrait presque d’imaginer des spin-off centrés sur certains d’entre eux, comme on pourrait le faire pour des personnages secondaires marquants d’une grande comédie française à large distribution. Ce sentiment de monde « plus vaste » que le seul récit principal contribue à la puissance d’immersion.
Une satire collective de la production télévisuelle
Dans l’ensemble, le casting secondaire fonctionne comme une satire collective de la production télévisuelle. Les scènes de répétition, de tournage, de briefings avec Harvey, montrent comment un plateau d’émission se transforme en machine à fabriquer de la norme corporelle. Les acteurs qui incarnent ces professionnels – du simple assistant lumière au directeur de programmation – partagent un même regard : ils surveillent l’image d’Elisabeth et de Sue, jamais leur santé ou leur bien-être.
Ce principe rejoint d’autres films qui s’intéressent aux coulisses du show-business et à la manière dont des équipes entières participent, parfois sans s’en rendre compte, à la fabrication d’icônes éphémères. Pour Claire, notre spectatrice fictive, cette accumulation de détails rend l’univers de The Substance terriblement crédible, presque documentaire, malgré les excès du body horror. La distribution secondaire sert alors de loupe sur nos propres habitudes de consommation d’images.
Ces regards croisés, visibles dans les vidéos de tournage et les analyses, prolongent la réflexion sur la responsabilité collective dans le culte du corps parfait.
Place de The Substance dans le paysage du cinéma et des grandes distributions
Pour cerner pleinement la portée de la distribution de The Substance, une mise en perspective avec d’autres grandes œuvres s’impose. Le film s’inscrit dans une lignée de créations où le casting devient un discours en soi : le choix d’une star vieillissante pour incarner un personnage en fin de carrière, l’opposition avec une jeune actrice montante, l’utilisation d’un acteur masculin reconnu pour incarner le pouvoir patriarcal. Ce type de dispositif rappelle la manière dont certains films emblématiques jouent avec la notoriété de leurs interprètes pour renforcer le propos.
De la même façon que certains drames contemporains interrogent la transmission entre générations d’acteurs, The Substance questionne la place occupée par chaque tranche d’âge dans l’industrie de l’image. La confrontation entre Demi Moore et Margaret Qualley condense des débats plus larges sur la visibilité des femmes de plus de quarante ans à l’écran, régulièrement traitées comme des exceptions plutôt que comme une évidence. L’extrême du body horror souligne une vérité plus banale : la société attend souvent des actrices qu’elles restent figées dans une jeunesse éternelle.
Un casting pensé pour le public d’aujourd’hui
La composition du casting révèle aussi une stratégie adressée au public contemporain. Demi Moore résonne avec les cinéphiles attachés au cinéma des années 1990, Margaret Qualley parle aux spectateurs habitués aux plateformes de streaming et aux séries, Dennis Quaid fédère une génération intermédiaire. Ce trio crée un pont entre plusieurs publics, comme l’ont fait d’autres distributions intergénérationnelles dans des œuvres à large rayonnement.
De plus, le thème de la « meilleure version de soi » trouve un écho direct dans la culture des réseaux sociaux et des filtres numériques. Les acteurs et actrices de The Substance incarnent physiquement ce que de nombreux utilisateurs vivent virtuellement : le décalage entre le corps réel et la version retouchée, polished, affichée publiquement. La puissance du film vient du fait que ce conflit, rendu littéral par la science-fiction, repose sur des émotions parfaitement familières au public.
Un pont avec d’autres distributions remarquées
Pour les amateurs de comparaisons, la distribution de The Substance peut être rapprochée d’autres réussites récentes, comme celles d’univers de séries ambitieux ou de grands films historiques. Dans chaque cas, le casting ne se contente pas de réunir des noms prestigieux ; il raconte quelque chose sur le thème central de l’œuvre. Ici, le choix d’acteurs aux carrières très différentes renforce le propos sur la compétition, le remplacement et l’oubli.
À travers ce prisme, The Substance invite le public à regarder les futures distributions avec un œil plus attentif. Quel sens y a-t-il à confier tel rôle à tel interprète ? Comment le passé d’un comédien influence-t-il la réception d’un personnage ? Ces questions, déjà présentes chez les cinéphiles qui scrutent les castings de grandes œuvres, deviennent ici partie intégrante du plaisir de lecture du film.
Au final, la place occupée par The Substance dans le paysage du cinéma récent tient autant à son parti pris visuel qu’à la finesse de sa distribution. Chaque choix d’acteur et d’actrice devient une pièce d’un puzzle qui dessine un portrait inquiétant de notre rapport contemporain au corps, à l’âge et à l’image.
Questions fréquentes sur la distribution de The Substance
Qui joue Elisabeth Sparkle dans The Substance ?
Le personnage d’Elisabeth Sparkle, animatrice de fitness quinquagénaire écartée de son émission à cause de son âge, est interprété par Demi Moore. Son parcours personnel et sa notoriété donnent une dimension méta au rôle, renforçant la critique du culte de la jeunesse au cinéma et à la télévision.
Quelle actrice incarne Sue, la version plus jeune d’Elisabeth ?
Sue, la version plus jeune, plus performante et plus dangereuse d’Elisabeth, est jouée par Margaret Qualley. Son jeu très physique et son énergie contrastent avec celui de Demi Moore, illustrant le choc entre deux générations et deux visions de la féminité médiatisée.
Quel est le rôle de Dennis Quaid dans la distribution du film ?
Dennis Quaid interprète Harvey, le patron de chaîne qui licencie Elisabeth et devient ensuite le mentor opportuniste de Sue. Il représente le pouvoir médiatique masculin qui décide de la valeur des corps féminins à l’écran, en fonction de critères d’audience et de rentabilité.
La distribution secondaire joue-t-elle un rôle important dans The Substance ?
Oui, le casting secondaire est déterminant. Médecins, techniciens de plateau, assistants et public de l’émission forment un écosystème crédible qui renforce la satire. Même avec peu de répliques, ces personnages montrent comment tout un système participe au culte du corps parfait et au sacrifice d’Elisabeth.
Pourquoi la distribution de The Substance est-elle souvent comparée à d’autres grands castings récents ?
La distribution de The Substance est comparée à d’autres grands castings car elle utilise la notoriété et l’image publique de ses acteurs pour nourrir le discours du film. Le choix d’une star comme Demi Moore pour parler de vieillissement, associé à une jeune actrice montante comme Margaret Qualley, crée un dialogue direct avec les débats contemporains sur l’âge, la visibilité et la pression esthétique dans l’industrie de l’image.